Сандро Боттичелли

"Рождение Венеры" — одно из самых известных произведений Сандро Боттичелли, великого итальянского живописца эпохи раннего Возрождения. Картина иллюстрирует миф рождения богини  Венеры.  

"Рождение Венеры", фрагмент

Обнажённая богиня плывет к берегу в створке раковины, подгоняемая ветром. В левой части картины Зефир ⓘзападный ветер в объятиях своей супруги Хлориды ⓘримский аналог — Флора дует на раковину, создавая ветер, наполненный цветами. На берегу богиню встречает одна из граций.

Картина "Рождение Венеры" в галерее Уффици с макетом для слабовидящих

В настоящее время картина хранится в галерее Уффици во Флоренции.

Микеланджело на портрете Даниэле да Вольтерра (ок. 1544)

"Сотворение Адама"— фреска  Микела́нджело Буонарро́ти,  одного из крупнейших мастеров эпохи Возрождения, написанная им около 1511 года.

Сикстинская капелла

Фреска является четвёртой из девяти центральных композиций потолка Сикстинской капеллы и иллюстрирует эпизод из книги Бытия: "И сотворил Бог человека по образу Своему". Самый известный фрагмент фрески — тянущиеся друг к другу руки Адама и Бога-Отца.

"Сотворение Адама", фрагмент

Среди исследователей было выдвинуто несколько гипотез о значении весьма оригинальной композиции картины. Многие отметили сходство очертаний плаща, развевающегося вокруг Бога и его спутников, с контурами человеческого мозга. Эту точку зрения поддержали ряд медиков и биологов. Микеланджело, по словам его друга и биографа Джорджо Вазари, "постоянно занимался анатомией, вскрывая трупы, дабы усмотреть начала и связи костяка, мышц, нервов и жил…" Так что художник вполне мог изучить в деталях содержимое черепной коробки. При близком рассмотрении границы в картине соотносятся с основными бороздами в головном мозге во внутренней и внешней поверхности мозга, ствола мозга, в лобной доле, базилярной артерии, в гипофизе и зрительного перекрёста.

Соответствие фрески "Сотворение Адама" и человеческого мозга

"Сикстинская Мадонна", худ. Рафаэль Санти, 1512—1513

 "Сикстинская Мадонна" — картина итальянского живописца Рафаэля Санти, созданная по заказу папы Юлия II. Принадлежит к числу общепризнанных вершин искусства эпохи Высокого Возрождения и является одним из наиболее известных живописных произведений в мире.

Рафаэль Санти

Кацусика Хокусай, автопортрет

"Большая волна в Канагаве" — первое произведение японского художника Кацусики Хокусая из серии "Тридцать шесть видов Фудзи" ⓘна самом деле она состоит из 46 работ, так как из-за огромного успеха серии художник, помимо 36 основных 'видов', создал еще 10.

"Большая волна в Канагаве", фрагмент

Большая волна так увлекает зрителя, что изображенная на заднем плане  гора Фудзи  порой кажется совсем незаметной. С первого взгляда её даже можно принять за ещё одну волну. Однако именно горе посвящена как сама гравюра, так и серия, в которую она входит. Фудзи священна для японцев и уже во времена Хокусая считалась символом совершенства. В массовой культуре, конечно, куда бо́льшее внимание уделяется не Фудзи, а большой волне, однако именно безмятежность Фудзи приносит в композицию гармонию, которая позволяет верить в мирное сосуществование человека и природы.

"Мадонна с розой" — картина Рафаэля Санти и его помощников. Три другие работы принадлежат кисти Леонардо да Винчи.

"Мона Лиза", худ. Леонарда да Винчи

"Мона Лиза", или "Джоко́нда" ⓘполное название — 'Портрет госпожи Лизы дель Джокондо'— одно из самых известных произведений живописи. Точная дата написания картины неизвестна: по некоторым сведениям, написана между 1503 и 1505 годами. Ныне хранится в Лувре. Считается, что на картине изображена Лиза Герардини, супруга флорентийского торговца шёлком Франческо дель Джокондо.

"Мадонна Литта", худ. Леонарда да Винчи

"Мадонна Ли́тта" — одна из двух картин Леонардо да Винчи, находящихся в собрании Эрмитажа в Санкт-Петербурге. Название картины происходит от имени её последних владельцев — представителей миланского семейства графов Литта, у которых она была приобретена в российскую императорскую коллекцию в 1865 году.

"Дама с горностаем", худ. Леонарда да Винчи

"Дама с горностаем" — портрет Чечилии Галлерани — любовницы герцога Миланского Лодовико Сфорца. Картина сильно переписана, что вызывает у некоторых исследователей сомнения в авторстве Леонардо да Винчи.

Викторину о жизни и творчестве гения эпохи Возрождения Леонардо да Винчи можно ПРОЙТИ ЗДЕСЬ.

"Тайная вечеря", худ. Леонардо да Винчи, 1495—1498

"Тайная вечеря" — монументальная роспись работы Леонардо да Винчи, изображающая сцену последней трапезы Христа со своими 12 учениками. Фреска находится в доминиканском монастыре Санта-Мария-делле-Грацие в Милане.

Санта-Мария-делле-Грацие в Милане

Строго говоря, данная роспись является не фреской, а альсекко: обожающий эксперименты Да Винчи не стал писать по мокрой штукатурке, как того требовала техника создания фресок, а изобрел свой метод. Увы, эксперимент оказался неудачным. Влажный воздух трапезной из расположенной рядом кухни стал причиной разрушения росписи уже в процессе её создания, буквально на глазах художника. В результате этот шедевр да Винчи стал настоящим бичом для реставраторов и на сегодня содержит примерно 20 процентов от оригинала.

"Тайная вечеря" на стене трапезной

Во избежание дальнейшего разрушения росписи бывшая трапезная преобразована в герметичное помещение с контролируемым климатом. Посетители должны пройти через несколько камер фильтрации загрязнения и влажности, а осмотреть произведение им разрешено только с расстояния и ограниченное время: 15-20 минут.

Иероним Босх

 "Сад земных наслаждений"  — самое известное полотно нидерландского художника Иеронима Босха. Картина получила своё название по теме центральной части, посвящённой греху сладострастия — Luxuria. Оригинальное название этой работы Босха доподлинно неизвестно — "Садом земных наслаждений" триптих назвали исследователи. Картина насыщена символами, которые современному человеку малопонятны. Только современники Босха могли разгадать этот "художественный ребус". Ни одно из имеющихся на сегодняшний день толкований картины не признано единственно верным.

Закрытые створки триптиха "Сад земных наслаждений"

Первая часть триптиха – закрытые створки. По одной версии – это изображение третьего дня сотворения мира, когда на земле ещё нет человека и животных, из воды только появились скалы и деревья. Вторая версия гласит, что это конец нашего мира, после вселенского потопа. В верхнем левом углу можно увидеть Бога, созерцающего своё творение.

Левая створка триптиха "Сад земных наслаждений"

Вторая часть – левая створка триптиха – изображение сцены в Раю. Бог показывает Адаму только что созданную из его ребра Еву. Вокруг – недавно созданные Богом животные. На заднем плане – Фонтан и озеро жизни, из которого выходят первые создания нашего мира.

Центральная часть триптиха "Сад земных наслаждений"

Третья часть – центральная часть триптиха – изображение земной жизни людей, которые массово предаются греху сладострастия. Художник показывает, что грехопадение настолько серьезно, что людям не выбраться на более праведный путь. 

Правая створка триптиха "Сад земных наслаждений"

Люди на разных животных движутся вокруг озера плотских наслаждений, не в силах выбрать другую дорогу. Поэтому их единственный удел после смерти по мнению художника – это Ад, который изображен на правой створке триптиха.

"Сад земных наслаждений" можно назвать картиной-предостережением. Художник показывает нам, насколько легко впасть в грех и попасть в Ад, несмотря на то, что когда-то человечество зародилось в Раю.

"Маха одетая", худ. Франсиско Гойя

Первая картина называется "Мáха одетая". Её автор – испанский художник  Франси́ско Го́йя.  Махами называли испанских горожанок XVIII—XIX веков из низших классов, известных своим щегольством и бурным нравом. Считается, что моделью послужила Пепита Тудо — любовница и впоследствии жена первого министра Испании Мануэля Годоя, известного дамского угодника и коллекционера обнажённой натуры.

"Маха обнажённая", худ. Франсиско Гойя

"Махa одетая" является парной картиной "Махи обнажённой". Обе картины принадлежали Годою, однако затем их конфисковала Испанская инквизиция. С тех пор они хранились в Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо, а с 1901 года стали экспонироваться в музее Прадо рядом друг с другом.

"Три грации", худ. Питер Пауль Рубенс

Вторая картина называется "Три грации" и принадлежит кисти фламандского живописца Питера Пауля Ру́бенса. Доподлинно известно, что грацию, расположенную слева, мастер рисовал с натуры – это вторая жена Рубенса Елена Фурман. Автор только-только женился и купался во вновь обретённом счастье. Рубенс очень любил эту картину и не желал с ней расставаться, поэтому полотно долгое время висело в доме художника. Только после его смерти картина была выставлена на продажу, и первым покупателем стал испанский король Филипп IV. Так "Три грации" были вывезены в Испанию, где и "обитают" до сих пор в мадридском Музее Прадо.

"Кающаяся Мария Магдалина", худ. Тициан Вечеллио

Третья картина называется "Кающаяся Мария Магдалина". Её написал итальянский художник  Тициа́н Вече́ллио  примерно в 1565 году. Согласно преданию, именно эту картину держал в своих руках умирающий художник. В 1850 году полотно было приобретено Николаем I для музейной коллекции Эрмитажа, где и находится до сих пор.

"Кающаяся Мария Магдалина" в Эрмитаже

Джон Эверетт Милле, автопортрет

 "Офелия" или "Смерть Офелии" — картина английского художника Джона Эверетта Милле, завершённая им в 1852 году. В основе картины лежит сюжет из пьесы Шекспира "Гамлет": Офелия была возлюбленной принца Гамлета, но, узнав, что он убил её отца Полония, она помешалась рассудком и покончила с собой, утопившись в реке.

Фрагмент картины, показывающий, с какой ботанической точностью изображены цветы из распавшегося венка Офелии

Картина примечательна детализированным изображением растительности реки и речных берегов. При этом все цветы и растения несут символическое значение:  согласно языку цветов, лютики — символ неблагодарности или инфантилизма, плакучая ива, склонившаяся над девушкой, — символ отвергнутой любви, крапива обозначает боль, цветы маргариток около правой руки девушки символизируют невинность и т.д.

"Девушка с жемчужной серёжкой", худ. Ян Вермеер

"Девушка с жемчужной серёжкой" — одна из наиболее известных картин нидерландского художника Яна Вермеера. Её часто называют северной или голландской Моной Лизой.

На портрете изображена прекрасная и загадочная девушка. Кто она? Исследователи жизни Вермеера выдвигают несколько версий – дочь, жена, служанка, любовница. Ответа нет. Писательница Трейси Шевалье в своём романе предположила, что девушка была служанкой художника. В экранизации этого романа загадочную девушку сыграла Скарлетт Йоханссон, а Яна Вермеера — Колин Фёрт.

Трейлер фильма "Девушка с жемчужной серёжкой"

"Пир Валтасара", худ. Рембрандт

Картина "Пир Валтасара" создана в 1635 году. Основой послужил библейский сюжет из Книги пророка Даниила о последнем халдейском правителе Вавилона Валтасаре. В ночь взятия Вавилона персами на устроенном Валтасаром последнем пиру в разгар веселья появилась рука архангела Гавриила, начертавшая на стене слова, предсказавшие скорую гибель Валтасару и его царству. В ту же ночь Валтасар погиб.

"Даная", худ. Рембрандт

Картина "Даная" находится в коллекции Эрмитажа. Написана она по мотивам древнегреческого мифа о Данае, дочери царя Аргоса. Аргос узнал от оракула, что его ждёт смерть от руки сына дочери. Чтобы избежать этого, он приказал заключить Данаю в темницу. Бог Зевс, увидев Данаю, пленился её красотой и проник к ней в виде золотого дождя через отверстие в крыше. От него Даная родила сына Персея, который вырос и случайно убил деда. Искусствоведы долгое время предлагали различные толкования картины. Отсутствие золотого дождя, который стал непременным атрибутом в произведениях на этот сюжет, вызывали сомнения в том, что главная героиня рембрандтовского полотна Даная. Однако затем общепринятой стала точка зрения, что Рембрандт заменил традиционный золотой дождь золотым светом.

"Возвращение блудного сына", худ. Рембрандт

Самое большое полотно Рембрандта на религиозную тему — картина "Возвращение блудного сына" — также экспонируется в Эрмитаже и основана на сюжете новозаветной притчи о блудном сыне. На картине изображён финал притчи: младший сын, ушедший некогда из отцовского дома, возвратился, полный раскаяния.

"Мени́ны", т. е. "фрейлины" — картина испанского художника Диего Веласкеса, написанная в 1656 году. "Менины" общепризнанно считаются одной из самых важных и наиболее тщательно изученных картин в истории западного искусства.

Портрет Филиппа и его супруги Марианны в зеркале

Другое название картины — "Семья Филиппа IV", т.к. полотно изображает сцену написания Веласкесом совместного портрета испанского короля Филиппа IV с его супругой и племянницей Марианной Австрийской,  отражение которых видно в зеркале, висящем на дальней стене.

Инфанта Маргарита Тереза

В центре сцены стоит пятилетняя инфанта Маргарита Тереза со свитой.

Автопортрет Веласкеса с крестом ордена Сантьяго

Сам Веласкес изображён слева от сцены у мольберта с огромным холстом. Грудь его украшает крест Святого Иакова ордена Сантьяго, который он получил лишь в 1659 году, спустя три года после написания картины. Филипп IV приказал добавить его на картину после смерти Веласкеса, а по некоторым утверждениям "его Величество написал крест самолично".

Эжен Делакруа

Картина Эжена Делакруа "Свобода, ведущая народ" считается одной из ключевых вех между эпохами Просвещения и Романтизма. В центре картины изображена женщина, известная как  Марианна  — символ Французской республики и олицетворение национального девиза "Свобода, Равенство, Братство".

Марианна, фрагмент картины "Свобода, ведущая народ"

На голове её фригийский колпак ⓘсимвол свободы во времена первой французской революции, в правой руке — флаг республиканской Франции, в левой — ружьё. Босая и с обнажённой грудью, символизирующей самоотверженность французов, способных с "голой грудью" идти на врага, она шагает по груде трупов, словно выходя из холста прямо на зрителя. За Марианной следуют мальчик (подрастающее поколение), буржуа и рабочий, шагающие единым фронтом против врагов революции и свободы.

Скульптурное изображение Марианны

Марианна — один из самых популярных символов Франции. С 2003 года все государственные администрации Франции используют логотип Марианны на фоне французского флага. А скульптурные изображения Марианны являются обязательным атрибутом учреждений органов власти, судов, муниципалитетов и т.д.

Марианна на логотипе Летних Олимпийских игр 2024 года в Париже

Делакруа написал своё революционное творение на фоне Июльской революции 1830-го года и реставрации Бурбонов, хотя многие ошибочно ассоциируют события на картине с Великой французской революцией (1789 - 1799) и Взятием Бастилии.

Сто франков "Делакруа"

"Бар в "Фоли-Бержер", худ. Эдуард Мане, 1882

 Импрессиони́зм  (фр. impressionnisme ← impression "впечатление") — одно из крупнейших течений в искусстве последней трети XIX — начала XX века, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру.

"Бульвар Капуцинок", худ. Клод Моне, 1873

Представители импрессионизма стремились разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления с помощью отсветов, бликов, тепло-холодных отношений света и тени. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий "небрежный" мазок.

"Бульвар Монмартр в Париже", худ. Камиль Писсарро, 1897

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное — ничего у них не покупали. Но в итоге сопротивление было сломлено, и некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40, как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

"Бал в Мулен де ла Галетт", худ. Пьер Огюст Ренуар, 1876

Термин "импрессионизм" возник с лёгкой руки критика Луи Леруа, который опубликовал свой фельетон под заглавием "Выставка впечатленцев" (L'Exposition des impressionnistes), взяв за основу название картины Клода Моне "Впечатление. Восходящее солнце" (Impression, soleil levant, 1872). Вначале термин имел пренебрежительный, даже издевательский, характер, указывая на соответствующее отношение к художникам, писавшим в "небрежной" манере, но затем прижился и обрёл категориальный смысл.

Винсент Ван Гог

"Звёздная ночь" — одна из наиболее известных картин нидерландского художника-постимпрессиониста Винсента Ван Гога. Картина была написана в июне 1889 года в психиатрической больнице, где художник проходил курс лечения. Написанная за один день в больничной студии, картина изображает вид из восточного окна спальни художника на предрассветное небо и вымышленную деревню. Сейчас "Звездная ночь" – одно из самых признанных произведений искусства в мире, однако сам Ван Гог считал картину неудачной и в письме художнику Эмилю Бернару назвал картину своим провалом.

"Звёздная ночь" в музее

С 1941 года "Звёздная ночь" хранится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Поль Гоген

Эжен Анри Поль Гоге́н — французский живописец, скульптор-керамист и график, крупнейший представитель постимпрессионизма.

"Когда свадьба?", худ. Поль Гоген

Работы Гогена при жизни не находили спроса, художник был беден. В 2015 году картина Гогена "Когда свадьба?" стала одной из самых дорогих проданных картин в мире — её цена составила примерно $300 млн.

"Забава злого духа", худ. Поль Гоген

Испытывая с детства, проведённого в Перу, тягу к экзотическим местам и считая цивилизацию "болезнью", Гоген, жаждущий "слиться с природой", в 1891 году уехал на Таити, где в 1892 году написал целых 80 полотен. Гоген был пленён не только диковинной природой, но и таитянками с присущей ими экзотической, первородной красотой. В их раскованности, непосредственности живописец ощущал существенный контраст с напыщенными (по мнению художника), высокомерными цивилизованными европейцами. Одна из юных таитянок даже стала женой художника и родила ему сына.

"Женщина, держащая плод", худ. Поль Гоген

В 1901 году Гоген перебрался на остров Хива-Оа в Полинезии и работал в полную силу: писал пейзажи, рассказы, работал журналистом. Несмотря на болезни, бедность и депрессию, лучшие свои работы Гоген написал именно там. Наблюдение за реальной жизнью и бытом народов Океании сплелись в них с местными полинезийскими мифами и принесли художнику славу, правда, посмертную.

"Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?", худ. Поль Гоген

История с фамильной путаницей художников Эдуарда Мане и Клода Моне— хрестоматийная. Благодаря интернет-мемам многие могут отличать художников по принципу "Мане — люди, Моне — пятна".

"Завтрак на траве", фрагмент

"Завтрак на траве" французский художник Эдуард Мане написал в 1863 году. Первоначально названная "Купание", эта картина предназначалась для Парижского салона, однако жюри не допустило её к выставке.

"Сельский концерт", худ. Джорджоне

За основу композиции Мане взял картину Джорджоне "Сельский концерт" и фрагмент гравюры Маркантонио Раймонди "Суд Париса" по рисунку Рафаэля.

"Завтрак на траве" и "Суд Париса", худ. Маркантонио Раймонди

Однако выбор сюжета картины — двое полностью одетых мужчин с нагой женщиной на природе — вызвал полное непонимание и обвинения в декадентстве и плохом вкусе. Публика была возмущена не только сюжетом, но и тем, как обнажённая женщина бесстыдно смотрит прямо на зрителя, а также узнаваемостью персонажей ⓘМоделью женщины была Викторина Мёран, один из мужчин — брат Мане Густав, второй — будущий шурин Фердинанд Леенхофф . Многие сочли творение Мане насмешкой над общественной моралью. Кроме того, Мане также отверг правила пропорции, что наиболее заметно по женщине на заднем плане, которая моется в реке: она непропорционально большая по сравнению с мужчинами перед ней.

Картина "Завтрак на траве" в музее Орсе

С течением времени мятежный стиль Мане вдохновил многих художников, таких как Джеймс Тиссо, Клод Моне, Поль Сезанн и Пабло Пикассо. В настоящее время некогда скандальная картина находится в 29-м зале музея Орсе в Париже.

"Завтрак на траве", худ. Клод Моне

PS: В 1866 году приятель Эдуарда Мане, 26-летний Клод Моне, написал картину, которая тоже называется "Завтрак на траве". Правда, обнаженных женщин на ней нет — только элегантные дамы под зонтиками и мужчины в рединготах. Посмотреть на эту картину можно в Пушкинском музее в Москве.

Руины Герники после авианалета люфтваффе. 1937 год

"Герника" была написана в мае 1937 года. Причиной создания картины стала бомбардировка города Страны Басков — Герники  во время Гражданской войны в Испании (1936-1939) .

Наброски "Герники"

26 апреля 1937 года легион "Кондор", добровольческое подразделение люфтваффе, совершил налёт на Гернику. На город за три часа было сброшено несколько тысяч бомб. В результате шеститысячный город был уничтожен, около двух тысяч жителей оказались под завалами, в основном женщины и дети. После налёта Герника горела ещё трое суток. За этими событиями наблюдал весь мир, в том числе и Пабло Пикассо.

"Герника", фрагмент: женщина с мертвым ребенком на руках

"Герника" Пикассо стала вечным напоминанием об ужасах войны и одним из самых знаменитых антивоенных символов.

Пикассо работает над "Герникой"

В 1939 году картину перевезли в Нью-Йорк, дабы сохранить её. Когда немецкие войска вошли в Париж, в квартире Пикассо был произведен обыск из-за его связи с коммунистами. Нацистский офицер, увидев на столе фотографию "Герники", спросил: "Это вы сделали?" "Нет, — ответил Пикассо, — это вы сделали". Картина вернулась в Испанию только в 1981 году.

"Герника" на выставка в Милане

Альфонс Муха

Альфонс Муха — один из наиболее известных и ярчайших представителей стиля ар-нуво. Так в англо- и франкоязычной литературе называется стиль  моде́рн  — международное художественное движение рубежа XIX—XX веков, ставившее целью выработку нового художественного языка искусства и посредством этого создание нового художественного стиля.

"Славяне на исконной Родине..." из серии "Славянская эпопея", худ. Альфонс Муха

Альфонса Муху, которого ещё при его жизни нарекали гениальным художником, сейчас называли бы скорее гениальным дизайнером. Ведь справедливости ради стоит сказать, что его живописные картины, в том числе и знаменитая серия "Славянская эпопея", и близко не были такими популярными, как тиражируемые образы романтических красавиц с афиш и этикеток.

"Весна", "Лето", "Осень" и "Зима", худ. Альфонс Муха

Художник достиг такого уровня мастерства в стиле ар-нуво, что его какое-то время даже называли "стилем Мухи". Даже сейчас именно в стиле Мухи создаются модные принты для одежды и аксессуаров, разнообразная полиграфическая продукция и татуировки.

Реклама мыловаренного завода Баньоле (1897.), худ. Альфонс Муха

Плакат Мод Адамс в роли Жанны д'Арк (1909), худ. Альфонс Муха

Плакат "Монако — Монте-Карло" (1897), худ. Альфонс Муха

Густав Климт

Гу́став Климт — один из самых ярких представителей венского модерна. Картина  "Поцелуй"  считается ключевым произведением "золотого периода" в творчестве художника: в это время художник много работал с золотым цветом и настоящим листовым сусальным золотом.

"Поцелуй", худ. Густав Климт

На картине изображены слившиеся в объятии мужчина и женщина на краю усыпанного цветами луга. И пожалуй, это самый хрестоматийный поцелуй в истории искусства и самый тиражируемый на сувенирной продукции. Картина стала стилизованным символом любви, и этот символ активно используется для привлечения потребителей. "Поцелуй" увековечен в тысячах копий, и не только на репродукциях, но и предметах быта: кофейных чашках,  галстуках и сумках, карандашах, блокнотах, зонтах, футболках и т.д. Об опасном заразном поветрии бездушного копирования Климта — "климтизации" — предупреждал ещё при жизни художника искусствовед Людвиг Хевеши.

Сувенирная продукция с изображением "Поцелуя" Густава Климта

Австрия считает "Поцелуй" национальным достоянием. Находится картина в галерее Бельведер в Вене, и посмотреть на неё ежегодно приезжают тысячи туристов со всего мира.

"Поцелуй" в галерее Бельведер

Анри Матисс

 "Танец" — созданная в 1910 году картина французского художника Анри Матисса.

"Танец", худ. Анри Матисс (1 версия, Нью-Йорк)

Картина существует в двух версиях: первая находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке, вторая и наиболее известная — в Эрмитаже в Санкт-Петербурге.

"Танец", худ. Анри Матисс (2 версия, Санкт-Петербург)

Картина из Эрмитажа огромна: 2,5 на 4 м. Потому что художник создавал её как настенное панно для особняка русского коллекционера Сергея Щукина. К моменту создания картины публика уже полюбила импрессионистов. И худо-бедно начала воспринимать постимпрессионистов: Ван Гога, Сезанна и Гогена. Но Матисс с его красными фигурами был слишком большим потрясением. Поэтому, конечно, работу ругали нещадно. Щукину тоже досталось. Его критиковали за то, что он покупает всякий хлам… Щукин был не из робкого десятка, но на этот раз дал слабину и отказался от полотна. Но потом опомнился, извинился. И панно "Танец", а также парная к нему "Музыка", благополучно доехали до России.

"Музыка", худ. Анри Матисс

Эдвард Мунк

 Норвежский живописец и график Эдвард Мунк создал 4 варианта картины "Крик" , причем в разных техниках.

"Крик" 1893 года и "Крик" 1910 года

Два варианта находятся в музее Мунка в Осло (выполнены пастелью в 1893 году и маслом в 1910 году).

"Крик" 1895 года

Один вариант находится в частной коллекции (выполнен пастелью в 1895 году).

"Крик" 1893 года

И ещё один вариант, самый известный в мире, находится в Национальном музее искусства, архитектуры и дизайна в Осло (выполнен маслом в 1893 году). Так что, если вас спросят о том, в каком музее находится картина "Крик", нужно уточнить, о какой версии работы идет речь и год её создания.

Официальный постер фильма "Один дома", пародирующий картину "Крик"

Ко второй половине XX века "Крик" стал поистине "иконическим" образом и с тех пор неоднократно переосмыслялся и пародировался. Образ кричащего человека много раз использовался в рекламе, комиксах, теле- и мультсериалах и кино. Например, знаменитая маска из фильма "Крик" была вдохновлена этой картиной и сейчас является популярным предметом карнавального костюма.

Маска из фильма "Крик"

Эмодзи "Кричащее от ужаса лицо" — тоже отсылка к картине Мунка.

Эмодзи "Кричащее от ужаса лицо"

Грант Вуд

 "Американская готика"  — один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века и, по совместительству, объект колоссального количества проекций, легенд, пародий и известный интернет-мем XXI столетия.

Нэн Вуд Грэм и Байрон МакКиби

На картине изображён фермер с дочерью на фоне дома, построенного в стиле плотницкой готики. Моделью для дочери фермера послужила сестра художника Нэн, а "нехороший фермер" — зубной врач Вуда, Байрон МакКиби.

Памятник "Американской готике" в Чикаго

Вуд представил "Американскую готику" на конкурсе в Чикагском институте искусств. Совершенно неожиданно для автора картина выиграла, и после того, как её опубликовали в газетах, Грант Вуд стал знаменитым, но не в хорошем смысле слова, а наоборот. Его картина не оставила равнодушным ни одного человека, который её увидел, и реакция у всех была крайне негативной и возмущенной. Виной тому были главные герои картины, олицетворявшие, по замыслу художника, простых сельских жителей американской глубинки. Слишком уж грубыми и непривлекательными выглядели угрожающего вида фермер с тяжелым взглядом и его дочь, полная обиды и возмущения.

"Советую повесить этот портрет на одной из наших добрых сыроварен Айовы, — иронизировала в письме в газету жена одного из фермеров. — От выражения лица этой женщины определенно будет скисать молоко".

Детей же эта картина по-настоящему пугала: они боялись страшного дедушку с жуткими вилами, полагая, что на чердаке своего дома он спрятал труп.

Вуд не раз говорил, что в его картине нет ни насмешки, ни сатиры, ни зловещего подтекста, а вилы просто символизируют тяжелый фермерский труд. Зачем было ему, выросшему в сельской глубинке, любящему её природу и людей, смеяться над её жителями? Людей его оправдания не убедили. Однако во времена Великой депрессии отношение к картине изменилось: её стали рассматривать как отображение непоколебимого духа американских первопроходцев.

Пародия на картину "Американская готика"

В конце XX — начале XXI века интерес к этой картине вновь резко возрос, и интернет заполонило огромное количество пародий на неё.

Пародия на картину "Американская готика"

Пародия на картину "Американская готика"

Рене Магритт

"Сын человеческий" — картина бельгийского сюрреалиста Рене Магритта, написанная в 1964 году. Является одной из наиболее известных его работ. Своим названием картина, как полагают, обязана образу современного мужчины — этакого бизнесмена, строго одетого, высокоэффективного, но всё равно остающегося сыном библейского Адама и подвергающегося искушению тем же яблоком.

Постер фильма "Афера Томаса Крауна"

В фильме  "Афера Томаса Крауна" (1999) главный герой мультимиллионер Томас Краун от скуки планирует и блестяще организует похищения произведений искусств. В финале фильма он использует образ мужчины с картины "Сын человеческий", чтобы запутать полицию.

Сцена из фильма "Афера Томаса Крауна" (1999)

Сальвадор Дали

"Постоянство памяти" — одна из самых известных картин художника Сальвадора Дали, созданная в 1931 году. Размягченность висящих и стекающих часов — образ, выражающий уход от линейного понимания времени. С 1934 года картина находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Сыр камамбер

Историю возникновения картины Дали рассказывал так: "Циферблаты я написал за два часа. Гала ⓘжена, муза и модель Сальвадора Дали ушла в кино с друзьями. Находясь в одиночестве, я рассматривал комнату. И моё внимание привлек  сыр камамбер , который мы с Галой недавно ели. Сыр медленно таял на солнце".
Дали отправился в свою мастерскую, где на холсте уже был написан пейзаж окрестностей Порт-Лигата. Художник добавил недостающее. К моменту возвращения супруги картина была готова.